UNA CRITICA A LOS FANTOCHES, LAS PROFANAS Y EL CONVITE

LOS AMANTES DEL TEATRO Y TRES OBRAS DETRÁS DEL TELÓN…
"El pueblo es el maestro del artista"
Hugo Carrillo

Nada más bello que contemplar al Respetable Público bramando de deseo por ver la función, hundirse en la butaca y asistir con alma y todo a la ensoñación que despierta, el Teatro, así, con mayúscula. El Dios del Teatro al final no es el ego, sino ese ser palpable y único que nos ama, ese monstruo que es el pueblo, Adán y Eva que nos visita y aflige con su desdén, o que nos premia con aplausos y las pecunias solidarias que rebosan la taquilla…

¡Ah la taquilla, musa intrusa que aplasta nuestro arte! ¡Ah del estómago que traiciona al corazón!...

En el año que termina he ido a ver tres piezas de Teatro muy singulares, pirandellianas, acaso porque desvelan la dualidad personaje-actor y hacen teatro dentro del teatro poniendo al dramaturgo a hablar con voz actual. Las tres puestas rompen la lógica formal de organizar a la gente de arte y sus amantes en distintas aristas de la escena. Esta vez, en las tres puestas, se han abrazado los amantes en las telas: boca, foro, piernas y bambalinas para hacer un íntimo abrazo de artistas y de público, un connubio verdadero.

La primera, original de Carlos Solórzano, LOS FANTOCHES, así se llama. A cargo de Guillermo Ramírez y su Compañía Nacional de Teatro en la gran sala del Miguel Ángel Asturias. La puesta -aún en frío y con fallas técnicas- me fascinó y llenó de esperanza en ese proyecto de elenco nacional que ojalá un día llegue a ser incluyente y popular. El cubo escénico se llenó de fiesta y se hizo el ruedo donde público y actores se abrazaron. Una historia de piñatas sacrificadas a un Dios amargo y enfermo que se contenta con hacer añicos a sus hijos. Puedo o no estar de acuerdo con la cosmogonía o la visión teológica de Solórzano, pero siempre estaré en concierto con su ánimo poético: hacer ver el dolor y la esperanza de los seres que, esta vez, envueltos en las franelas y papeles en jirón de sus fantoches, nos llama a celebrar la vida desde la responsabilidad de ser aún ante la muerte. Un elenco de notables: Ángelo Medina, Lucy Guerra, Fernando Juárez, Herbert Ignacio, Miriam Arenas, Diego Ramírez Iriarte, y Juan Esteban Vidal. De su estreno recuerdo la asombrosa y tierna representación de Ángelo Medina, interpretando a un anciano poético y filósofo, que herido y enfermo aún tiene preguntas y dilemas, respuestas y felices invitaciones. Y si debo emitir algún lamento, diré que siento en el alma la manera en que el querido y siempre genio René Figueroa fue sacrificado a un ángulo lejano y mudo; él vino a ser el fantoche del montaje, un títere lejano entre los puentes y la seguidora. Me gustaría verla otra vez, y acaso a René más cerca de las terribles marionetas y el graderío divino donde canta el público entre palmas y jadeos…

LAS PROFANAS, dirección y dramaturgia de Luis Carlos Pineda, con la asistencia poética de Jany Campos y Marco Canale. El Teatro de Bellas Artes, el altar para esta misa gris. (Esa sala me trae a cuenta gotas sangre del alma recordando a mi tata Hugo Carrillo y aquel beso que le robé a la que me ama… Carrillo y aquel beso en la bemba rubia de la Perla … aún marcan mi vida.) La puesta de ENTRE BASTIDORES, un elenco revolucionario y fresco que anda por ahí haciendo capote. Ojalá lleguen a ser grupo y se mantengan en el amor al Teatro y a la gente. Otro encierro maravilloso donde un grupo de bellas y un varón hicieron mofa de las peripecias de las compañías de Teatro por hacerse de un óvolo financiero y poder llevar a puerto sus obras. El puerto del Teatro no es el estreno, es el cariño de la gente… el aplauso. Terrible decirlo, pero cierto, los grupos se prostituyen a la taquilla o al mecenazgo, se hacen al camino de otros y genuflexan la espina de su canto para alcanzar un lugar en las marquesinas pobres de nuestras salas, y acaso un comentario breve en los pasquines que dicen anunciarnos. En la pieza, tras fracasar en el intento de lograr la aprobación de un proyecto de apoyo teatral por parte de la cooperación externa y las oenegés, los teatreros desnudan sus almas y motivos y se lanzan a una aventura criminal, criminal entre comillas porque se animan a planear un secuestro y llevar a la picota a un falso dirigente cristiano, un pastor de esos que tras la máscara de moral esconden su ánimo de fama, poder, y de dineros. Ya lo dije una vez: hay pastores de Jesucristo, y hay pastores dejen su pisto… En la obra el evangelista de marras es llamado Efectivo Moon, y me parece que no es otro que el actor del púlpito y astro de la televisión conocido como Cash Luna. Le secuestran pues, lo someten al tormento de desvelar sus amargos secretos del pisto y de la cama, y finalmente es ejecutado por quien menos se esperaba, la actriz y personaje que más cercana se mostraba a la moral cristiana. Desde una perspectiva feminista y anticlerical, esto hace que ella se salve… No sé, en realidad no creo que un falso Mesías merezca un balazo, pero sí afirmo que la puesta merece ir por todos lados y asombrarnos aún más. Ojalá el espaldarazo de la Cooperación Española sirva para dar un impulso al vuelo de esta patojada inquieta y talentosa. La casa del actor no es la sala de Teatro, es el corazón del pueblo.

EL CONVITE POLÍTICO, el último ruedo de esta nueva moda nuestra de meter a la gente detrás del telón. La sufrí de muchos modos. Marco Canale y Paula Acevedo, y con las actuaciones de Rubén Ávila, Camilla Camerlengo, Pamela García, Margarita Kenefic, Luis Carlos Pineda y Josué Sotomayor. He estado un poco cerca de su diseño y dramaturgia. Mi dulce hermana Margarita Kénefic es parte de su elenco y del plumaje escénico que ha hecho su poética y el vuelo final de este pájaro triste, pero enamorado La pieza al final ha sido construida en tramaurdimbre por el ya instalado entre nosotros Marco, en tanto que la dirección, atinada y no sin sobresaltos, a estado cargo de Ana Paula y el propio Marco. Y de la tropa qué decir: ¡Qué elenco por Dios! La gente enorme de ANDAMIO TEATRO RARO… un rumbo nuevo de nuestra escena, siempre asombrando. Cada cosa suya es una nota más alta. Quiero anotar que este es acaso el grupo más politizado de nuestro Teatro actual, y también el más político. Es también irreverente y sabio en la búsqueda de una plástica escénica. Su diario laboratorio es una búsqueda responsable que incluye el barrunto por los metros clásicos y por el mundo de Bretch y Mayerhold, sin descartar la esotérica vivencia del abuelo Constantin. Sus obras siempre vienen cargadas de poesía y de un vínculo profundo a los poetas nuestros, a los que amaron a Dios, la casa común, y al Pueblo al mismo tiempo: Palma, Arce, Monzón ardieron en el fuego… Con el mismo rostro y con sólo mudar una tela y alguna utilería, los hitriones nos hacen ir del alma al alma… El actor es el maestro del alma en la escena, del alma… no de la máscara. EL CONVITE… viene a ser una respuesta a aquel que montara Jean Ives Peñafiel a inicios de los ochenta, y es un reclamo mestizo de la opresión del criollo, de ese que se hizo de la “patria” el dueño tras la conquista y la mal llamada independencia. El que la mantiene sumisa tras la contrarrevolución y la negociación de paz… Sí, el criollo, la gente blanca que nos dice “mi huevo es canchito” y que cree y asegura tener derecho a usurpar todos los poderes y deleites de la tierra en nombre del destino manifiesto y la superioridad racial. Pero esa historia es equivocada, la gente como tal es más grande que las razas…. De la dramaturgia debo aplaudir toda la pluma y la construcción de tiempo espacio, el manejo de tensión y conflicto, y aunque la encuentro profundamente dolorida y con un dejo sutil de desesperanza, la presencia guerrera de sus actores-personajes es todo un llamado a la reflexión y la lucha. Los muchachos del ANDAMIO nos están llamando a despotricar, a demoler altares, a robarlos como el fuego, y usarlos para decir de nuevo modo de la vieja consigna de la sangre, el anhelo de vivir con dignidad. La amada mía, encarna a RAYO DE LUNA, el papel de la agitadora, y es al final sacrificada para mantener en el himno la voz de las viejas matronas; empero su sacrifico cuenta y hace posible un canto nuevo y la reconquista de la palabra libertad… Si la patria, o mejor digo Matria, es un altar… es un altar de todos los hijos de la tierra, incluidos las bestias, las hormigas, las aguas, los verdes brotes, los fuegos que borbotan y los vientos…

¡Bravo! Alegrémonos, el público ha dejado las butacas y se ha subido al escenario… ojalá un día podamos demoler la sala, las trampas de su encierro, y por supuesto la taquilla, y podamos concedernos el milagro sencillo de llevar a la gente la savia de nuestras almas en la vieja medicina que es el Teatro… recordemos que los amantes de verdad no se cobran al amar, que este pueblo está enfermo y demanda nuestras pócimas… Hay que hacer de cada grupo una compañía que vaya por la nación haciendo poesía, o como diría Carrillo: haciéndole el amor al público…


Luis Escobedo
Guatemala, Octubre 28 de 2009

UN NUEVO PROCESO: DIRECCION TEATRL II

MONTAR... Y QUE’ MONTAR?
Después de leer muchos libretos, elegí como texto para el montaje “Andorra” del suizo Max Fish, dramaturgo a mí desconocido hasta este momento. Fish habla de un pueblo, Andorra, donde la tranquila vida de Andri, un joven judío aparentemente adoptado por el Maestro del pueblo, se interrumpe a causa de una inminente guerra con los Negros que en los años anteriores han masacrado a muchos judíos. Esta amenaza hace recordar a los Andorranos que Andri no es uno de ellos, es un judìo y por lo tanto, como todos los judìos, lleva en su sangre la capacidad de hacer negocios, de ser de esta y no de otra manera. Desde el principio de la obra se condena a muerte a Andri, todo el pueblo contribuye a la realización de este homicidio, también el mismo Maestro, que tarde confesará la verdad, o sea que Andri es su hijo natural, fruto de una relación clandestina con una Negra.
Andorra demuestra como los estereotipos matan, y como se logran convertirse en profecías que se realizan por si mismas, de como nosotros los seres humanos somos capaces de limpiar nuestras conciencias con un simple “NO FUE MI CULPA”. Es un retrato fiel de las mezquindades humanas, de las de ayer, que lastimosamente son las mismas de hoy.
EL UNIVERSO DE LA OBRA.
Luego de leer y re leer el texto, decidì presentar como universo de la obra al pueblo y a los personajes màs importantes de la obra: Andri, el Maestro, Barblin, hija del maestro y novia secreta de Andri, el Militar, anti judìo y que quiere poseer a Barblin, el Cura.
La obra empieza con la preparación de la fiesta del pueblo, en cuya ocasión se acostumbra pintar las casas de blanco. Hay dos amenazas: una tormenta, que puede quitar la cal blanca de las casas y la guerra con los negros.
Mi intención era crear el pueblo, la atmosfera de toda la obra. Por lo tanto estructuré mis ensayos de tal manera:
PRIMER ENSAYO:
para el primer ensayo reuní a los 5 intérpretes que había escogido: Maria Cardona para Barblin, Julio Canel para Andri, Jorge Bacq para el Maestro, Huesos para el Cura y Vago para el Militar. He visto trabajar esta gente en diferentes talleres y siempre me han llamado mucho la atención. Es gente muy capaz, me gusta cómo se mueven.
La primera parte del ensayo me dediqué esencialmente a crear un clima de grupo y a que los intérpretes pudieran conectar con ellos mismos.
Empecé el ensayo con una plática donde, mientras nos dábamos mansaje el uno con el otro en los pies, estuvimos hablando de la obra y de nuestros vicios y virtudes en el trabajo teatral.
Luego empecé a conducir el calentamiento psicofísico: empecé por calentar articulaciones según el calentamiento del Tai Chi y luego conduje un calentamiento basándome sobre los principios de la psicología gestáltica, para mi muy útil para que el intérprete pueda conectarse con si mismo y con los demás, ampliar todos los canales de percepción, conectar cuerpo y mente y emocionalidad para entrar a escena como un ser vivo, que piensa y que siente.
También, me dediqué a trabajar energía de grupo, puntos negativos y positivos, confianza, las 7 energías.
Empecé a trabajar personajes: a cada uno le asigné una frase que habìa escogido por su personaje, una frase para mi significativa del estado anímico del personaje, el que prevale en toda la obra. Empezaron a jugar entre ellos, se empezaron a establecer relaciones según lo que acurre en la primera escena.
Dì la indicación a Julio/Andri de empezar a robar la mirada de los demás: fue un juego interesante, que rápidamente hizo conectar a los intérpretes con el estado anímico de sus personajes.
Se empezaron a construir las caminadas, las tensiones físicas, las miradas, buscando lo más posible de alejarse de los clichés de cada uno.
Fueron dos horas muy productivas. Quedamos de vernos luego de tres días.
ENTRE UN ENSAYO Y EL OTRO.
Dada la poca cantidad de tiempo a disposición, estructuré en detalles lo que quería comunicar en este primer trabajo. Dividí el espacio escénico en 4 áreas: Barblin con su preocupación de los negros, el Cura preparándose para la procesión, el Militar y el Maestro en la cantina y Andri solo, desnudo, buscando de reconocerse.
Por cada personaje escogí textos de presentación de su conflicto personal.
Me imaginé a Andri desnudo, el diferente, el que no sabe quién es realmente. También imaginé el sonido de los tambores de guerra, de un zumbido para significar la tormenta. El es la victima de esta obra, el chivo expiatorio de las culpas de todo un pueblo. Me imaginé su crucifixión, porque al igual que un Jesùs, se derramó su sangre para salvar a muchos pecadores. También me imaginé el vino para significar su sangre.
Me dì cuenta que el pròximo ensayo tenìa que ordenar muchas cosas.
SEGUNDO ENSAYO.
Este ensayo fue un poco tedioso, necesitaba precisión, ver una y otra vez la escena, detenerme para analizar detalles, amarrar las diferentes acciones de los intérpretes, parar y empezar una y otra vez, otra vez, otra vez.
Afortunadamente, las personas que colaboraron fueron muy pacientes con migo y con mis exigencias.
Luego de un pequeño calentamiento, estuve estructurando la escena, jugando con los focos de atención del público y los muchos signos presentes: Andri desnudo, al centro, del cual solo quedarán sus zapatos en una plaza casi vacía; el Cura consagrando la hostia y el vino, el Militar de pelo largo (me encanta este contraste) que acosa a Barblin y al Cura, el miedo de Barblin.
Son las 1:00 a.m. todos estamos cansados y yo estoy satisfecha del trabajo. Me he sentido como una costurera, que escoge cuidadosamente los encajes de su tela, que corta, hila, cose y descose una y otra vez.

CONCLUSIONES FINALES

No es fácil sentarse a plasmar en una hoja lo que he vivido en este proceso; la muerte ha sido el punto de partida de muchas reflexiones personales que tienen que ver con miedos, apegos, recuerdos etc. Ya hemos visto en este diplomado como la sistematización de las experiencias sirve para darse cuenta del camino recorrido, de los cambios. Es una herramienta útil para la creación porque nos permite controlar nuestros sentimientos y el teatro es control de las emociones a su estado máximo de explosión, lo demás es otra cosa.

El proceso de construcción de lo que tenemos hasta ahora ha sido estrictamente ligado a un crecimiento personal y también profesional, confirmándome la idea que hacer buen teatro está estrictamente ligado a ser mejor persona.

De aquí nace mi primer acierto: como creadora, siento la necesidad de tratar temas que muevan mis entrañas, dar mi punto de vista sobre lo que realmente me interesa, y mejor si puedo expresarlo en una sola frase. Por lo tanto, la creación escénica, sea dirección o interpretación, está ligada para mí a una vivencia personal que tiene que ver con tres niveles de la complejidad humana: ser emocional, ser ideológico y ser social.

Para mí ha sido importante reflexionar sobre mi compromiso de mi hacer teatral, gracias también a las investigaciones sobre otras experiencias teatrales. Hemos visto que hoy como ayer, aquí y en China, es vital que el arte tenga un compromiso con el pueblo, que el teatro vaya más allá del simple entretenimiento. Algunos llaman esto educar al pueblo, yo prefiero llamarlo hacer reflexionar al pueblo, que se vayan con dudas después de la obra, más que con aciertos.

En nuestro caso, como equipo de creación hemos ido hilando nuestros puntos de vista, para llegar a una buena base para el verdadero montaje. Para mi hablar de la muerte ha sido una ocasión para darle importancia a la vida, en un contexto donde se muere por violencia día tras día en medio de la indiferencia total.

Es la primera vez que participo en la construcción de una obra que toma en cuenta desde su inicio al público, o sea al circuito de concretización al cual quiere dirigirse. La investigación nos ha permitido acercarnos y conocer en primera persona a la humanidad que queremos llevar a escena, y esto ha sido enriquecedor para la escena misma y para la vida también.

Creo que nuestra búsqueda de un nuevo lenguaje escénico se acompaña con la búsqueda de un nuevo público, que está ligada también al lugar donde nos vamos a presentar. El público es el tercer creador de la obra, y como creadores tenemos que guiar su percepción a través de los principios vitales de la sobrevivencia.

Desde el punto de vista de la dirección, ha habido espacios de experimentación que siempre se quedan cortos; las herramientas que hemos conocido este año necesitan de tiempo para asimilarlas. Además, siento también que para la dirección, sobre todo de intérpretes, hay que desarrollar una sensibilidad, otro sentido, un “algo más” difícil de concretar con palabras, que la academia no da.

Una parte interesante ha sido el entrenamiento, nuestra danza. No sé si quedará como escena, y la verdad no me preocupa. Es nuestra manera de entrar a la obra, física y emocionalmente. Personalmente, ha sido para mí un desafío físico, pero un gran acierto: no existe solo la danza del viento!

Quiero concluir esta reflexión con una pequeña consideración sobre el blog como herramienta de comunicación para la creación: al principio no me gustaba mucho la idea, porque hablar por pantalla cuando nos vemos la cara todos los días...
pero ahorita que lo miro, siento que es parte de mi camino, de mi historia, de mi pasaje terrenal en esta época y en esta historia. Cada elemento ha venido dando forma a una imagen precisa que se concreta en lo que quiero decir.

ESTRATEGIA DE DIFUSIÓN

como título de la obra, propongo la frase de la señora que catalina entervistó:

NO TENGAS MIEDO... LA MUERTE ES GANANCIA

creo que es muy fuerte, sobretodo en estos días de violencia que todas y todos estamos viviendo

per el diseño del afiche no sé, pensaba en una foto de una tumba popular, adornada o un dibujo, aún si la idea de un mensaje tipo sátira me llamá también la atención.

esta sátira apareció hoy en prensa libre

EL CAMINO REALIZADO

• TÈCNICAS

PRIMERAS OPINIONES 3/03/09: hasta ahora, que es solo el inicio, un pequeño pasito después de la linea de partida, creo que lo que estamos leyendo sobre la terapía gestalt ha sido una herramienta muy útil para la conducción de intérpretes, que nos ha ayudado cuando los compañeros nos guían. es una buena técnica y al mismo tiempo pienso que está sirviendo también como un buen punto de apoyo para poder afrontar la muerte que es inevitablemente algo que nos hace reflexionar, más en Guate, donde la vida y la muerte se confuden a diario.

• TEORÌAS

• PRATICA ESCÈNICA INTERNA

PRIMERAS IMPRESIONES 3/3/09: tenemos algunos bocetos de escenas, pero buenas ideas. me gusta lo que las y los compeñeros están expresando, y en algunos casos me gusta la idea de éstetica que sugieren. yo también comparto la necesidad de usar las palabra como signo, sobre todo en las escenas que más tocan lo emotivo, lo humano. me gusta la idea de dividir entre la vida de los vivos y la de los muerte, la vitalidad del cementerio, sus problemas cotidianos, la fiestas, etc.

EL OTRO, LA AUDIENCIA

• CIRCUITO DE CONCRETIZACIÒN
• EL ARTE ESCÈNICO COMO EXPRESIÒN CULTURAL

EL PUNTO DE VISTA DEL CREADOR ESCÈNICO ¿QUÈ QUIERO COMUNICAR?

a lado, pueden encontar algunos referentes, como fotos del cementerio, música, etc.
los puse ahí, pero si quieren hacer comentarios, porfa, haganlos aquí.....






NO QUIERO HUIR FRENTE A MI MUERTE, QUE ME ACOMPAÑA COMO SOMBRA Y BAILA ALREDEDOR MIO...

me gustaría tener la capacidad de percibir mi muerte, como ultima posibilidad de controlar lo que el ser humano siempre quiso detener y no puede.

quiero prepararme para mi muerte, ponerme mi mejor vestido, arreglarme, adornar mi pelo con flores. quiero arreglar mi cama, adornarla con las fotos más significativas, dejar escrito lo que deseo por mi ultima gran fiesta, que música escuchará mi gente, con que tragos se emborracharán. y que me lleven a pies al cemeterio, para ver la ciudad por última vez.

Encontré una frase que me ha llamado mucho la atención, sobre todo pensando a cómo me gustaría representar la muerte en nuestro montaje.

Estoy de acuerdo con Luis Carlos, que hoy, 11 de febrero, expresó su desinterés a representar la muerte así como la vemos en los noticieros o en las fotos de prensa. la frase me llamó la atención por que creo que podemos pensar a este momento como una danza, una danza macabra. La frase es de angelo Branduardi, un cantautor italiano, que compone a partir de la investigación de la música medioeval. y dice: "Existe la idea que la música tenga un poder tan fuerte que hace olvidar a la muerte de haber llegado para llevarnos con ella. un exorcismo de la muerte a través de la música y de la danza."

la muerte es también una buena ocasión para pensar a la vida, a como estamos condiciendo el tiempo que tenemos a disposición. creo que morir en paz tiene mucho que ver con como vivimos en paz, con cuanto somos felices y cuanto logramos desapegarnos de todo lo que amamos con tod nuestro corazón.

ESTRATEGIA DE CREACIÒN ESCÈNICA PARA UN CIRCUITO CULTURAL DETERMINADO

GENERACIÒN DE REFERENTES PARA LA CREACIÒN ESCÈNICA

• ENTRENAMIENTO

PROPONGO INICIALMENTE UN ENTRENEMIENTO FÍSICO A PARTIR DE LAS POSICIONES DE LAS ESTATUAS QUE SE ENCUENTRAN EN EL CEMENTERIO, JUGAR CON ELLAS, COMBINARLAS CON LAS ENERGÍAS...

• TEMA
• PRIMER INTERÉS:

la muerte desde un pnto de vista social:

EL NIVEL DE ANTONIO DE CURTIS (TOTÓ)
Traducción Ojo: la traducción no es mía, la conseguí en Internet, y la copié tal cual, pero debo decir que es casi exacta.
'A nivela (El nivel) di Antonio de Curtis
Cada año, en noviembre, es usanza
ir por los difuntos al Cementerio.
Cada uno ha de tener esta crianza,
esta intención que es del mundo entero.

En esta fecha triste y deprimente,
cada año puntualmente en estos días,
yo también voy y adorno floralmente
los nichos marmóreos de mis tías.

Este año me ha pasado un raro evento...
después que el triste obsequio había cumplido
¡Oh Virgen!, si lo pienso y ¡qué espanto!
pero el valor al alma estaba unido.

El hecho, para quien me está escuchando:
la verja parecía casi cerrada y yo,
sin prisa, estaba ya saliendo
echando hacia las tumbas una ojeada.

"AQUÍ DESCANSA EN PAZ EL NOBLE DUQUE
SEÑOR DE ROVIGO Y DE BELLUNO
DE INTRÉPIDO VALOR CON SU GRAN BUQUE
MUERTO EL 11 DE MAYO '31."

Con la corona el blasón tenía...
...debajo una cruz con las bombillas;
ramos de rosas, todo lo lucía:
velas, velitas y seis candilejillas.

Justo pegada a la tumba del señor
estaba otra tumba pequeñita,
abandonada, sin una sola flor;
como signo, sólo una crucecita.

Encima de ésta apenas se leía:
"ESPOSITO GENNARO BARRENDERO."
Mirándola, qué pena producía ¡
este muerto sin luto verdadero!

¡Esta es la vida! para mí pensaba...
¡quién tiene mucho y quién no tiene nada!
¿Este hombre tal vez se esperaba
que hasta allá tan pobre se quedara?

Mientras todo esto imaginaba,
ya se había hecho casi medianoche,
y ahí encerrado, preso me encontraba,
muerto de miedo...solo en esa noche.

De repente, ¿qué veo allá lejano?
Dos sombras hacia mí, me parecía...
Pensaba: este hecho me parece raro...
¿Estoy despierto...duermo, o es fantasía?

Es que era el Duque, y no una fantasía:
con el sombrero y toda su nobleza;
detrás de él, el otro, oh madre mía:
to' sucio con su escoba de pobreza.

Y ése ciertamente es don Gennaro...
el muerto pobrecito...el barrendero.
Todo esto yo no lo veo muy claro:
¿están muertos y vuelven de paseo?

Podrían distar de mí no más de un palmo,
cuando el Duque se para y de repente,
se gira y muy tranquilo, calmo calmo,
le dice a don Gennaro: "¡Delincuente!

De Usted querría saber, vil y canalla,
¿con qué valentía y como ha osado
hacerse sepultar, y me avergüenza,
al lado mío que soy un blasonado?

La casta es casta y hay que respetarla,
mas perdió el sentido y la mesura;
Su cadáver había, sí, que inhumarlo;
pero enterrado ahí, ¡en la basura!

Todavía no puedo aguantar más
esta vecindad tan apestante.
Y le agradezco si buscara
un hoyo entre los suyos, entre su gente."

“Vea, señor Duque, no es culpa mía,
yo no quería faltarle a su respeto;
hizo mi mujer esta tontería,
¿que podía hacer yo si estaba muerto?

Si estuviese vivo yo, le haría contento:
la caja con los huesos cogería,
y justo ahora, en este momento,
en cualquier otro hoyo me pondría."

"Pues sí ¿qué esperas?, torpe malcriado,
¿que la ira mía desborde la paciencia?
Si no estuviese aquí de titulado
¡hubiese recurrido a la violencia!"

"Vamos a ver...coge tu violencia...
La verdad, Duque, es que me estás hartando
y si pierdo ahora mi paciencia
olvido que estoy muerto ¡y voy pegando!...

Tal vez ¿ser un dios tú te has creido?
Aquí todos, lo ves, somos igual...
Muertos los dos somos, ¿has entendido?
Uno como el otro, tal para cual."

"¡Cochino cerdo!...¿Cómo te atreves a
compararte conmigo y mis parientes
ilustres, noblísimos y perfectos,
que dan envidia a Príncipes Reales?"

"¡Ni qué Pascua, Navidad y Epifanía!
¿Quieres meterte claro en la cabeza
que estás enfermo de tu fantasía?...
La muerte ¿sabes qué es? una nivela.

Un rey, un magistrado, un gran hombre,
al pasar esta verja se recuerda
que lo ha perdido todo, vida y nombre
tú sin embargo no te has dado cuenta.

Por eso, escúchame, no seas esquivo,
aguántame cercano...¿qué te importa?
Esta payasada puede hacerla un vivo:
nosotros, serios...¡somos de la muerte!"
SEGUNDO INTERÉS:

esta la encontré en http://www.bosquedequimeras.blogspot.com/
me parece un bonita escena, sobre todo reflexionando sobre todo lo que estamos leyendo en la clase de Luis Carlos





Conocía a Muerte. La había visto pasar, pero nunca la había venido a buscar.
¿Por qué no me llevas? – le preguntó un día.
No es tu hora.
No quiero esperar.
Dale otra oportunidad a la vida.
Estoy cansada.
Dásela.
No puedo más. Te juro que no puedo…
Eres muy joven para rendirte…
Pero sólo siento dolor.
¿No conoces la Felicidad?

De pasada…
Suficiente.
¿Por qué quieres que sufra?
¿Por qué crees que sufres?
¿Por qué simplemente no cumples mi deseo?
Porque tu deseo es dejar de sufrir. No morir. Sólo tú puedes cumplirlo.
¿Cómo?
Retrocede hasta el punto donde te sentiste feliz por última vez. Recuerda qué camino seguiste, y sigue uno distinto.
Y se marchó.

• ESTRUCTURA DRAMÀTICA

PROPUESTA 1:
1. De noche, en una de las alas más antigua del Cementerio General. Una muerta y un muerto descansan en el mismo nicho; ella molesta por la presencia del otro, el durmiendo cómodamente sobre ella.
2. Ella, harta, lo empuja y empieza a reclamar a el de irse de ahí, el no es digno de estar a la par de ella.
3. El humildemente pide disculpe y pide a ella de soportarlo.
4. Ella ofrece de recurrir a la violencia si no se va inmediatamente de su nicho. El cambia de actitud y serio, dice a ella que está loca, no ha entendido que la muerte es un nivel, que con la vida se pierde el nombre.

El referente del cual partí es un poema en napolitano muy conocido por mis lares.
Trabajé la escena a partir de posiciones cerradas y abiertas, a través de las cuales decidí cómo asignar los personajes a los intérpretes. El contact me ayudó para crear Los movimientos iníciales de la escena.
Me gustaría trabajar sobre el texto, profundizar más los personajes, incluir los comentarios de los otros muertos, que asisten a esta escena desde sus tumbas.
Me gustó el rumbo cómico que los intérpretes le dieron, pero creo que el final tendría que romper el clima hasta ahora creado. Lo que el guajero dice es, para mí, una verdad, que quiero comunicar directamente.

EXPERIENCIAS ANTERIORES

A. RULETA RUSA, MOTÌN, BASURERO, CONTRAHUELLA
SINOPSI DEL BASURERO
El Mofle solo pensaba en el dinero y en el alcohol, pero el Zope, la Tomate y el Rata tenían otros planes: jugar e ir a la escuela, escapando así de la explotación a la cual el Mofle los quería someter. Una serie de accidentes y abusos, llevan al Mofle a reflexionar sobre su actitud.


Esta obra trata de temas a los cuales, aún siendo de alto interés social, no se les presta la debida atención.La historia se desarrolla en un escenario donde todas/os estamos implicadas/os, invitando a reflexiónar sobre el manejo de los desechosos sólidos y parte de la realidad que a su alrededor se genera.En las/os niñas/os esta obra, a través de la risa, motiva al compañerismo y a la solidaridad.

Esta obra fue presentada en escuelas primarias alrededor del relleno sanitario de la ciudad de Guatemala, en el ámbito de las actividades culturales de prevención y sensibilización sobre el trabajo infantil patrocinadas por la Organización Internacional del Trabajo (OIT).

EL MOTÍN.


Es la historia de un asesinado político, el asesinado de monseñor Gerardi.
estos son los videos del primer y segundo acto







Presentacion grupo Andamio:
Bertold Brecht, Augusto Boal, Murillo Selva; son innegables referentes de reflexión y acción cuando hablamos del teatro que se adentra en las diversas y generalmente desequilibradas relaciones sociales en las cuales se desarrolla o en las que le preceden. Definiendo tanto su forma, dinámica e ideología.El teatro ciudadano, como hemos de llamarle nosotros, pretende tomar estos referentes para la búsqueda de un teatro que nos identifique dentro de la situación actual a partir de ver hechos históricos recientes de relevancia e impacto en nuestra sociedad, pretente, partir de las opiniones ciudadanas de las acciones del poder. No buscamos, en el caso de El Motín, una precisión histórica ni un señalamiento de culpables con nombres y apellidos. Buscamos situarnos y situar al público ante semejantes hechos para entender cómo nos afectan y la responsabilidad o fragilidad que poseemos ante ellos.
Sinopsi de la obra
El Motín, escrita en el 2004, narra algunos de los hechos que más ha conmovido a la sociedad guatemalteca en los últimos años: la corrupción en el sistema penal el ejército y el sistema de justicia del país. Corrupción que fue develada con absoluto descaro luego del asesinato de Monseñor Gerardi quién entregara antes de su asesinato el Informe para la Recuperación de la Memoria Histórica -REMHI-, de la cual Gerardi, era líder.El sistema judicial interpuso a la investigación y búsqueda de los culpables varias tácticas dilatorias entre las cuales incluso, se llevaron preso al perro. Todas estas tácticas solamente encubrian las deficiencias y parcialismos del sistema de justicia ante el poder militar, que en el mencionado infome fue evidenciado ante las interminables listas de torturados, masacrados y desaparecidos durante el conflicto armado de los años ochenta y que están bajo su responsabilidad.Encarcelaron algunos militares por el asesinato y a partir de esto desencadenaron diversos hechos dentro del penal, lo oculto: la inteligencia militar encuentra sin problemas la forma de eliminar físicamente al capitán Obdulio Villanueva quien recientemente habia sido condenado por el asesinato de Gerardi, esto para que no revelará la identidad de los autores intelectuales de las altas cúpulas militares y que ocupaban altos cargos en el Congreso de la República. En el Proceso murieron misteriosamente algunos testigos.

B. SOTZ`IL

este es un video donde se puede apreciar el trabajo físico y sonoro del grupo.

EVALUACIÒN

A. INVESTIGACIÒN SOBRE TEATRO DE LOS ANDES DE BOLIVIA, TEATRO UNIVERSITARIO DE GUATEMALA TAU
El contexto histórico en el cual se forma el TAU, años de la primavera revolucionaria de Arévalo y Arbenz, se refleja en las intenciones artísticas del grupo y en su concepción del teatro como herramienta para la divulgación de la cultura y la formación de la personalidad, cuya tarea principal es educar y humanizar al pueblo, culturizarlo, elevarlo a nivel moral e intelectual. El teatro, como el arte en general, en los años de la revolución es valorado como herramienta de luz luego de los largos años de obscuridad del dictador Ubico.
Al comparar el TAU con el más moderno Teatro de los Andes, me doy cuenta que hay muchos puntos de convergencia: en primer lugar, ambos creen que el arte tiene un compromiso con el pueblo, que el teatro vaya más allá del simple entretenimiento. Ambos, cada uno en su época y a su manera, constituyen un ejemplo de teatro de vanguardia, de grupos que han querido profesionalizar al actor empezando a hacer del teatro una fuente de ingresos. Ambos tienen un afán a descentralizar el circuito cultural y llevarlo al interior, donde no hay teatros. Ambos líderes se han formado a fuera de sus países, impulsando también la difusión de nuevas técnicas y de nuevas concepciones de la puesta en escena.Las diferencias también son muchas: en el TAU no ha habido un proceso de integración de los elementos culturales que la diversidad guatemalteca ofrece, sus obras han sido generalmente obras clásicas de autores internacionales (especialmente el Teatro español) y de autores guatemaltecos como Solorzano
B. PROPUESTA DE HERRAMIENTAS DE INVESTIGACIÒN

El análisis del discurso es un método de investigación cualitativo transdisciplinario, que surgió en los años 1960 y 1970 en varias disciplinas y en varios países al mismo tiempo: la antropología, la lingüística, la filosofía, la poética, la sociología, la psicología cognitiva y social, la historia y las ciencias de la comunicación.
Uno de los exponentes de metodología es Naomi Quinn que en Finding Culture in Talk: A Collection of Methods (2005) compila un conjunto de artículos cuya pretensión final es responder a la pregunta por cómo encontrar la cultura en el discurso. Queda claro que el discurso se entiende como un recurso, que con el apoyo de ciertas técnicas de análisis, permite llegar a formular saberes y formas de comprender la cultura, delimitándose así una conceptualización de los análisis discursivos como metodología.
Según Quinn, y los demás teóricos de esta metodología, analizando el discurso podemos llegar a conocer los modelos culturales en bases a los cuales los grupos sociales analizan los fenómenos reales y como construyen sus relaciones y acciones.
Actualmente, gracias a la elaboración de un puente interdisciplinar entre la antropología, la lingüística y los estudios del discurso, se prefiera hablar en las ciencias sociales Análisis Cultural del Discurso que puede entenderse como“ el proyecto analítico en el que se aspira a dar cuenta del saber que da unidad social a un colectivo y le permite entenderse en forma implícita, así como de la forma como es socialmente elaborado. En esta perspectiva, se interesa por la explicación del modo como se construye realidad desde el discurso y se concreta la acción social.”1
Una de las metodologías de análisis del discurso es el estudio de metáfora y la metonimia como recursos lingüísticos que permiten ver los modelos culturales subyacentes. La metáfora se asemeja a la utilización de esquemas de imágenes y la metonimia deja entrever la forma de operar a partir de elementos del modelo, dándole un carácter flexible al modelo cultural que lo hace económico en términos organizativos.
PROPUESTA:
Mi propuesta consiste en investigar como los profesionales de la muerte (doctores, enfermeros, gente que vende servicios de entierro y que trabaja en el cementerio) perciben la muerte a través el análisis de sus discursos, poniendo especial atención al análisis de las metáforas y metonimias utilizadas.
Se proponen tres niveles de profundidad: los dos primeros —reproducción fiel y nivel descriptivo comprensivo— al fin de identificar actitudes y analizar el contenido de representaciones sociales y, el tercero que sería más de interpretación-comprensión de los modelos culturales subyacente al tema de la muerte.
Para tal propósito, se construirá una entrevista semiestructurada sobre los siguientes temas:
*Concepción de la muerte(cómo sus padres explicaron el tema de la muerte, cuando entendieron que es la muerte, como, cuando vieron un muerto la primera vez y sus reacciones)
*Percepción de la muerte (en su trabajo, muerte de uno mismo, muerte de un familiar)
*Como explicar la muerte a un niño.
C. REALIZACIÒN DE LA INVESTIGACIÒN

BIBLIOGRAFÌA

- La Tradición del Presente. Vinocour, Fernando. Actualidad de las experiencias teatrales en Costa Rica en las últimas tres décadas. San José, Costa Rica. Ediciones Perro Azul. 2007. Pag. 187.Mario y Amadeo, estudiantes de teatro.

- Historia Multicultural del Teatro y las teatralidades en América Latina. Villegas, Juan. Colección Teatro logia 1a edición. Buenos Aires: Galerna, 2005.
El artículo propone en manera clara y linear, un análisis de las mayores innovaciones que caracterizaron la historia del teatro latinoamericano en los años trente. Los años treinta constituyen por Latino América un momento importante en la historia del teatro, por el surgimiento de grupos y movimientos de renovación y por la necesidad de algunos intelectuales de buscar nuevos cánones estéticos a través de los cuales expresar la realidad, con sus injusticias y conflictos, y al individuo, con su mundo interior y sus impulsos.
Los cambios sociales y de pensamiento como los nuevos “ismos” que influenciaron tanto las artes en general, conllevan muchas novedades en el mundo teatral, empezando por propuestas dramatúrgicas innovadoras, el cambio del proceso de puesta en escena, la metateatralidad, el rompimiento de la diacronía del tiempo.
Los años treinta pueden ser considerados como los años de la modernización del teatro latinoamericano en línea con los movimientos innovadores europeos del tiempo. Desde esta modernización florece en el teatro la necesidad de abrir el acceso de los sectores marginales de la sociedad a la cultura y proponen discursos interesantes para estos nuevos circuitos culturales. Creo que esta necesidad todavía existe, todavía hoy el teatro corre el riesgo de encerrarse entre paredes y proponer discursos de élites a precios de élites. ....
....En reasumen, los años treinta fueron para el teatro latinoamericano épocas de grandes cambios e innovaciones, que plantearon las bases del teatro de vanguardia, un teatro en búsqueda de la propia identidad estética y cultural, en búsqueda de su gente, especialmente de la que nunca había llegado al teatro hasta ahora. Es en esta época donde se van sembrando las nuevas semillas del teatro, cuyos frutos pueden verse hoy día, en todos aquellos grupos que buscan crear a partir de la propia realidad, a través de sus propios lenguajes y códigos estéticos.

- Hacer teatro hoy de Tavira, Luis. Ediciones el milagro / CNCA. México 2006. Pag. 182 México y Siglo XX en el Teatro.
El autor, en un lenguaje para mi confuso y muy dispersivo, analiza los años XX del teatro mexicano, años caracterizados, a nivel mundial, de movimientos innovadores en las artes y en la sociedad en general. Tavira centraliza su análisis alrededor de las figuras de Usigli y Villaurrutia, fundadores de la moderna dramaturgia mexicana. Uno de las innovaciones más importante en el trabajo de Usigli fue el hecho de impulsar un teatro que partiera de la realidad mexicana del tiempo, donde “se aprende a pensar el teatro desde México y donde es posible pensar México a través del teatro”.
Esta es una de las características más importante del nuevo teatro mexicano: el de llevar a la escena los temas, los conflictos de los tiempos actuales, en contraste con un teatro que refleje los gustos del sistema dominante. El teatro cambia de naturaleza y de función: no es ya simple entretenimiento para volverse en una herramienta para provocar efectos duraderos al interno de la sociedad. El teatro empieza a hacer cuentas con las catástrofes que caracterizan el siglo que está viviendo.
También el teatro se ve influenciado por el cine y la televisión, que surgen en estas épocas, y por la utopía estética de la modernidad: teatro como herramienta para la anagnórisis de la vida cotidiana, la transformación de la realidad y de la conciencia.
La historia teatral mexicana de esta época es emblemática de la historia del teatro en general; así como sucede en Europa y en los demás países latinoamericanos, el teatro es en búsqueda de una nueva identidad, de nuevos lenguajes, en línea con la onda modernizadora de la época. Paradójicamente, los años innovadores del teatro mexicano empiezan con uno de los actos más devastadores que la humanidad puede realizar: la destrucción del Teatro nacional de Ciudad de México.
En estos años, bajo las influencias de la Revolución Mexicana, el teatro se aleja de la ya muerta tradición española en búsqueda de productos culturales nacionalistas, aún si no surge un verdadero teatro de la revolución así como pasó en la pintura y la literatura....
...Además, analizado esta época, Tavira ejemplifica como las innovaciones en el teatro no pueden aislarse de las innovaciones en el arte de la actuación y en la participación de los espectadores. Este me parece un buen punto de reflexión: en la historia del teatro, los cambios siempre se ligan a las figuras de grandes dramaturgos pero quien realmente encarna estos cambios y los promueve son los actores en escena y el público que asiste....
... Concluyendo, podemos afirmar que el siglo XX fue una época donde se sembraron las semillas del nuevo teatro de hoy; donde el teatro logró independizarse de la literatura, donde se reflexionó sobre la profesionalización de los hacedores del teatro, y sobre todo donde el teatro latinoamericano empezó a independizarse y a producir productos culturales para su propia gente.
Es el siglo en el cual se siembran las bases de teatro de hoy; muchas cuestiones todavía quedan en pies, es nuestra tarea, creo, solucionarlas.

- Teatro de Arte Universitario. Hernández Solís, Adolfo. Guatemala 2004.- www.teatrodelosandes.com